Clôture des concerts d'été au Palais Princier de Monaco

Christian Zacharias dans Beethoven, au piano et au pupitre, cela ne se refuse pas. Et suscite même l’adhésion la plus complète. On sait que ses lectures privilégient sans doute la fraîcheur plutôt que le dramatisme, mes ses interprétations sont toujours sensibles et pleine de brio.
Voici dans le "Premier Concerto pour piano en do majeur", le mal aimé des cinq, une technique inestimable, un toucher raffiné, un phrasé très étudié enrichi d’imperceptibles rubatos. On sent en permanence l’union rêvée de la poésie et de la technique.
Ne nous y trompons pas, toute la vitalité, toute la verve beethovénienne gardent cependant leur élan et leur saveur. L’enthousiasme est flagrant aussi à l’Orchestre dont la respiration est parfaitement accordée à celle du piano. Le son est cristallin pour le "Largo" qui s’affiche ouvertement comme une sorte de Lied, ou nourri quand il le faut dans le "Rondo" final. Maximum de sobriété, rigueur technique, économie des effets. De la belle ouvrage.
La "Sixième Symphonie", dite "Pastorale" apparait ensuite comme suspendue, presque initiatique. On y retrouve à leur sommet une concentration intériorisée, ce rubato maîtrisé. Le Philharmonique de Monte-Carlo y fait preuve d’une extraordinaire discipline instrumentale et émotionnelle (l’assise des cuivres dans le troisième mouvement!) car Christian Zacharias sait simplement exalter comme personne la dimension symphonique d’une partition, certains passages ici étant de la pure musique de chambre. L’andante molto mosso, où s’avouent ouvertement quelques intentions descriptives ou purement imitatives (au moins celle du "murmure du ruisseau", se révèle dans toute sa transparente légèreté, car aucune concession n’est faite à une espèce d’immersion naïve dans la nature. Dans le problématique "orage", le chef évite tout alourdissement et la dynamique semble illimitée tant l’ensemble a du nerf, le dernier mouvement apportant lui, comme un couronnement, "un sentiment de bonheur et de reconnaissance".

Le concert de clôture du 5 août voyait l’entrée en lice d’une artiste que l’on attendait pas dans un tel cadre: l’atypique Ute Lemper. Pour un voyage musical et poétique à travers le temps dans lequel éléments de nostalgie et de variété se mêlent au monde contemporain de la séduction. Les chansons tissent une trame autour de la décadence de Berlin, d'hier et d'aujourd'hui, autour de la tentation et de la recherche de l'amour dans un monde de brutes.
Voilà également pour le néophyte, la plus belle introduction à l’univers de Kurt Weill. On sait que l’artiste de variété (révélée par "Cabaret" et par ailleurs excellente comédienne) s’est faite une spécialité de ce répertoire bien particulier. Ses intonations sont assez saisissantes, son expressionnisme exacerbé, son engagement total, un rien cabotin. Elle recrée avec une incomparable présence l’atmosphère charbonneuse des années trente.
Dans cette bouleversante traversée, Ute Lemper nous conduit de Brecht/Weill à Jacques Brel en passant par Piaf, Hollaender, Kander. Sans oublier bien sûr Marlène Dietrich. Sa voix grave et sensuelle pénètre avec violence et poésie ces mythes universels de la chanson.

Couvant et buvant de l’œil et de l’oreille sa blonde partenaire, Lawrence Foster a tissé le plus délicat des écrins orchestraux. Entre les trois tours de chant, plaisir total de retrouver le Philharmonique de Monte-Carlo dans les "Gymnopédies 1 et 3" de Satie, ici plus que de la simple musique "d’ameublement".
Connaissant son Gershwin sur le bout des doigts, Lawrence Foster nous a aussi "drivé" dans les impressions dansantes d’un américain en ballade au milieu des klaxons parisiens. Totalement imbibé de la partition, le Maestro semble faire de partie lente (sorte de blues accompagné à la trompette bouchée) sa propre nostalgie pour l’Amérique…